Textos para los diferentes grupos y clase de cierre de "Encrucijadas de la estetización de lo cotidiano"

Pueden elegir los dos textos o uno y un otro que ustedes deseen.

Para la temática Hegemonía- poder- ideología (acuerdo- subjetividad condicionada):

Foucault, M.; "La gubernamentalidad" en
http://es.scribd.com/doc/36329288/Michel-Foucault-La-Gubernamentalidad-Sin-Marcaciones

Hegemonía en Gramsci e Ideología en Althusser:
http://poderyresistencia.blogspot.com/2009/03/31-la-hegemonia.html

(por si les interesa leer más sobre esas temáticas en autores como Gramsci, Althusser, Foucault, etc. les sugerimos una páginas de un seminario "Sobre el poder" donde hay links de textos sobre y de ellos: http://www.ram-wan.net/restrepo/poder/ )


Para la temática Estilo (corriente establecida- búsqueda de identidad - estilo propio):

Bajtin, M; "El problema de los géneros discursivos" en Estética de la creación verbal, Bs As, Siglo XXI, 2005. http://estafeta-gabrielpulecio.blogspot.com/2009/06/mijail-m.html)

Manuel Ángel Vázquez Medel, "Amado Alonso, Más allá de la Estilística", en
http://huespedes.cica.es/aliens/gittcus/amado.html

Para la temática Interpretación (fin comunicativo-contexto- pieza gráfica):

Aristóteles, "Sobre la interpretación" en
http://es.scribd.com/doc/56281594/Aristoteles-Sobre-La-Interpretacion#archive

"La poética de Aristóteles desde Gadamer y Ricouer" de María antonia González Valerio, en www.magonzalezvalerio.com/mimesisymythos.pdf
(como no abre el link directamente busquenlo desde la barra de direcciones)

Para la temática Poética (lenguaje-comunicación-interpretación)

"La poética del espacio" de Gastón Bachelard en
www.upv.es/laboluz/leer/books/bachelard_poetica_espa.pdf
(como no abre el link directamente busquenlo desde la barra de direcciones)

"DELEUZE/GUATTARI: CAOS FILOSÓFICO Y CONTROL POR EL LENGUAJE" de William González en praxis.univalle.edu.co/numeros/n15/william_gonzalez1.pdf
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Crónica de la clase de cierre de la tematización "Encrucijadas de la estetización de lo cotidiano" realizada por la Docente de Facultad de Artes Lic. Valeria Lepra:

Tematización: Encrucijadas de la estetización de lo cotidiano

La época de la imagen del mundo y su reproductibilidad técnica

Modernidad y cultura de masas en artes visuales

El proyecto moderno del arte

Aspectos imaginarios e ideológicos de la imagen

Momento 1

Relación de la cultura de masas con lo artístico

Estado de situación

Fines de siglo XIX – Discusión

Arte Mayor - Arte Menor

Bellas Artes Artesanía

Pintura Morris /Arts & Crafts

Escultura

*Mov. de trabajadores en las fábricas

*Cambio de los modos de producción

*Sistema feudal en la Rusia zarista

*A. Latina mov. en disputa (unitarios-federales)

*Modelos tayloristas (ahorro-eficacia)

*Cambio en los modos de producirse de los sujetos (Tiempos modernos, Germinal)

*Emergencia de la clase media

Manet – Seurat: Arte menor como modo de provocación incluido en sus propuestas. Nueva dimensión de lo estético / Ocio – Trabajo / Industria del entretenimiento/ Cambios en la cotidianidad / Suburbios industriales / Zonas de recreo como modo de control social

Francia 2° Imperio – Haussmann: Cortar la ciudad como escenario para que mejorara acceso hacia lugares importantes y zonas de comercio / Organización del territorio

Control del espacio / Incorporación de espacios verdes / (Similitudes locales: 18 por Libertador ofrece un vista hacia el Palacio Legislativo)

Seurat – Toma formas y elementos compositivos de Cheret (porosidad arte mayor-arte menor)

Signac – Charles Henry toma la Teoría estética del color de Signac como propuesta de paleta para los obreros de una fábrica de muebles.

Momento 2

Greemberg, Schapiro, Benjamin, Crow

*Surgimiento de cultura de masas

*Perspectiva marxista de ciertos críticos

-Greemberg - vanguardia y kitsch

Artista relegado a los medios / presión sobre el arte

Expansión de nueva industria cultural

Lo estereotipado como posibilidad de ser reproducido ej: La teoría estética del color de Signac aplicada en la fabricación de muebles.

Cultura popular - la comunidad integrada sostiene la obra del artista

Kitsch - producto de migración a ciudades y abandono del folklore

Mercancía – souvenir

Alfabetización + tiempo de ocio. Aparece una sociedad organizada por tiempos y el ocio también está organizado.

El trabajador se vincula a los objetos afectivamente. Identificación de la experiencia con el objeto. Se produce la mediación de la existencia con los productos (canciones, melodramas, tabloides)

-Schapiro – mercancías culturales

Vincula a la vanguardia con la clase media ya que el artista produce objetos para el consumo (Desaparece la fruición ante el objeto)

Alianza del impresionismo con la cultura de masas

Artista como especialista full time que produce para consumidores part time

-Benjamin Baudelaire y el 2° Imperio

Cualquier cosa que hiciera el artista, los censores de las instituciones lo veían como peligroso

La vanguardia dejó los viejos asuntos del arte público oficial no por rebeldía sino porque los representantes políticos hallaban peligrosos las instituciones e ideales que el arte oficial representaba (Gericault, Delacroix)

-Crow – moda y entretenimiento

Lo rescatado de lo artístico se adapta a la manufactura de masas y se acerca así a los mostradores.

Expansión de la economía cultural desde el s. XIX.

Art deco (1920-1950)

Lempicka / Bakst / Spitz / Orientalismo como referente / Exotismo vs. decadencia occidental

Los collages del cubismo / El collage toma referentes de la gráfica como parte de una nueva forma de producción que incorpora el afuera del arte trayendo de lo ajeno para sus composiciones.

Momento 3

El proyecto moderno del arte (Menna)

Discurso en pos del progreso, mejoría de la calidad de vida individual y colectiva

Escisión entre lo artístico y lo estético

Nueva organización social, nuevo sujeto: ciudadano

La cuestión del sujeto y su redefinición del rol: consumidor

Sujeto y vida cotidiana

El espacio estético deviene el lugar privilegiado por el movimiento del individuo hacia su realización

Lo estético como lugar para el cambio

La actividad artística como técnica/ el arte por el arte asume el lugar del buen procedimiento con una finalidad y el trabajo creativo se desarrolla con un sujeto libre que puede desarrollarse.

-Modulor/ Le Corbusier

Producción de medidas para un sujeto ideal que traspone a la producción de espacios (máquinas de habitar)

Máquina- paradigma del proyecto moderno

Forma racional y efectiva de producción de algo con una finalidad

-Efectos irónicos de la vanguardia histórica

Al salir de la reclusión de lo artístico lo que se produce es una difusión de lo estético, esa salida de la esfera de lo artístico va en detrimento de sí mismo.

De lo moderno a la condición postmoderna (Lyotard)

Crisis de los grandes relatos

-Orientación del proyecto moderno con las vanguardias

El individuo que habita el mundo ve los discursos de las vanguardias como forma de consumo de todas esas poéticas. Aparece el despliegue y posibilidad de elección ante el sujeto debilitando el discurso hegemónico.

Vanguardia/ sociedad de masas

Schlemmer

Hacia liberación individual y colectiva

Esfuerzo de la Bauhaus termina en estilo

-El binomio de Maldonado

Vanguardias cultura de masas

Valor creativo del individuo Homogeneización de los valores y comportamientos

Orden denotativo V/F Orden performativo eficiente/no eficiente

-La cuestión de la cosmética

Dorfles: Cosmética de objeto de uso. Plus al objeto de uso. Resemantización del objeto, lo estético como valor agregado. función + valor estético

Styling 1929: Fractura entre lo artístico y estético (requisitos estéticos que amplían el consumo)

Posturas

Diseñador - resolviendo la antinomia entre lo bello y útil como cabeza del proceso productivo

-como parte de una fase productiva cuya función es introyectar lo estético

El diseñador como demiurgo o como técnico

¿Qué llamamos diseño al hoy? ¿Qué significa este territorio?

¿Cuál es la finalidad de la teoría en la formación del diseñador?

¿Desde dónde construimos al usuario como alteridad?

¿Estudios de marketing? (máquina ilusoria de imaginarios)

¿El público se construye o el público construye al diseñador?

Bibliografía utilizada para esta clase:

Crow, T.; "Modernidad y cultura de masas en las artes visuales" en "El arte moderno en la cultura de lo cotidiano, Madrid, Ed. Akal, 2002.
Menna, Filiberto; "El proyecto moderno del arte", Buenos Aires, "Fundación Federico Jorge klemm" Editora, 2006.

Primera instancia de trabajo en grupo (en torno al texto de Mónica Pujol)

Para los que no hicieron esa parte, la tarea consistía en leer atentamente el texto "Diseñando espacios de sentido" de Mónica Pujol y:

1- Seleccionar tres ideas fuerza del texto.
2- Discutirlas
3- Enunciar brevemente las tres ideas fuerza y señalar las líneas posibles de discusión sobre cada una de ellas.

Encuentran el texto en:
http://foroalfa.org/articulos/disenando-espacios-de-sentido

Ejercicio en torno al Coloquio "Medios gráficos y ciudad: usos y alcances de la imagen en la ciudad de Montevideo"

Ejercicio de recuperación de clase: Elegir una de las ponencias presentadas en el Coloquio y producir una reflexión sobre la misma. Les recordamos que deben contextualizar la reflexión explicitando a quien eligieron y una síntesis de lo que hablo. La reflexión puede ser individual o colectiva. La extensión de la reflexión va desde una a cinco carillas.

Encrucijadas de la estetización de lo cotidiano

En la primera parte de la clase, a partir de mostrar parte del film “La mirada invisible” del director argentino Diego Lerman -y el trailer del mismo- , se retomó lo visto en la clase anterior en torno a como se está abordando el tema de la imagen, la cultura y el sentido. Podríamos abordar el film desde un lado más formal (hablar de un régimen autoritario con ciertas características, por ejemplo) y sino podemos hacerlo a través de los sentidos rastreando esos ordenamientos y esa miradas que aparecen y que tienen que ver con una dimensión estética. Estamos tratando de identificar que de la imagen aparece en nosotros como sentido de lo que sucede ahí -en ese enganche con la mirada- y que sucede a nivel de nuestra cultura occidental en relación a la mirada.

La segunda parte de la clase que tenía que ver con la Introducción a "Encrucijadas de la estetización de lo cotidiano" se planteó en dos momentos:

1- Retomamos de nuestros primeros encuentros las hipótesis provisionales que aparecen en relación a ese terreno que emergería en relación a la construcción de esos dos territorios que son estética y diseño.

2- En Estética y Diseño 2 vamos a hacer énfasis en la estetización de la vida cotidiana, así como en la Cultura Visual. Entonces ahora nos vamos a introducir en como el mundo se transformó estéticamente para los habitantes y como el habitante produce un mundo estetizado, como este habitante hace uso de su poder de interpretación para producir sentido en el mundo que habita. Se trabajó con: a- “La época de la imagen del mundo” que es un texto de M. Heidegger y b- “La obra de arte en la época de reproductibilidad técnica” de Walter Benjamin.

a- Heidgger reflexiona sobre los fundamentos de la Edad Moderna. Quiere saber que sucedió en la Era Moderna para saber en donde estamos. El puede identificar fenómenos esenciales de la edad moderna Como el era fenomenólogo (seguidor de Husserl) quería llegar a la esencia de las cosas en el sentido de que a través de ciertas actitudes uno podría llegar a esa constitución esencial de la cosa porque nuestra conciencia se vuelca a esa cosa ("una conciencia de"). "Esa conciencia de" se concluye cuando se encuentra con la esencia de lo otro y ahí se produce la "comprensión" (desde lo fenomenológico).

Los fenómenos de la edad moderna (la esencia de la era moderna) son: su ciencia, su técnica mecanizada, el proceso que introduce al arte en el horizonte de la estética (lo que llamamos arte aparece en la era moderna, en la antigüedad existía una forma de entender la producción que la llamaban techné), el obrar humano se interpreta y realiza como cultural (las disciplinas aparecen justamente en la modernidad, aparece el pensar la actividad del hombre en clave de cultura, aparecen los términos cultura y políticas culturales) y la desdivinización o pérdida de dioses (la religión aparece como institucionalización de las creencias, con rituales, con figuras organizadas, etc.) Pero Heidegger se concentra en la ciencia porque es ahí donde la modernidad hace la ruptura, donde aparece lo diferente. Entiende que la esencia de la ciencia, despojándonos de todos los prejuicios, es la investigación. La investigación aparece como un proceder anticipador, como un recorrido en donde yo puedo planear algo para lograr en un futuro una realización que pueda ser confirmada (apareciendo cambios en la cuestión de lo temporal)

Los rasgos de la ciencia son el proyecto (se organiza a través de él), el rigor (un aprendizaje de aptitudes y actitudes en relación a lo que voy a hacer), la ley y el experimento (como forma de limitar y dar sustento a lo que es la investigación), la empresa (el modo en que se organiza la investigación), la institución (como marco de esa empresa) y el método (lo que fundamenta en torno a la verdad. La ciencia como institución se basa en un método que está por encima de la cosa. Desde ese lugar podemos ver como el diseño tiene a lo proyectual como rasgo esencial, usando un método que me permite abordar la cosa (objetivamente) y lograr la verdad en torno a un objeto. Desaparece el sabio por el investigador riguroso. Es así que la esencia de la ciencia moderna toma el signo de la investigación y en ese contexto nos preguntamos ¿qué concepción de lo ente y qué de la verdad hacen posible que la ciencia se torne en investigación? Cómo se produjo que la cosa sea el sostén de la investigación?

La verdad se deposita en otro lugar que está relacionado con el método. La naturaleza como mundo de las cosas (de lo ente) y la historia (el tiempo que pasa y que nosotros podemos colocar en una línea temporal) son hechos de la representación explicativa, que es "una forma de conocer". Aparece una posibilidad de ser representados explicativamente. El hombre va a medir, a comparar, a ser un sujeto que conoce. Un modo moderno de conocer a través de la representación de las cosas a través de una imagen que explica. Qué sujeto se produce en este mundo moderno? Este sujeto es lo que yace ante nosotros y reúne todo sobre sí y se vuelve. Hay una confianza en el conocimiento del hombre en torno a lo ente. El hombre pude disponer de lo ente que se compone como conjunto. La verdad aparece a través de la posibilidad de representación de ese objeto que está disponible, a través de las interpretaciones. Excluimos al ente del mundo (lo aislamos de nosotros como sujeto de la subjetividad) y lo traemos a nosotros a través de la representación (como algo objetivo, aquello que se puede medir), a través de una relación reglada impuesta por nosotros que nos permite llegar a una totalidad, a una verdad.

Una época nueva en donde el mundo se convierte en imagen y el hombre se convierte en sujeto porque se aísla del ente, apareciendo esa relación sujeto-mundo a través de la imagen. El hombre se asegura lo verdadero a través de su saber (sus herramientas, sus técnicas, su metodología). Aparece una organización (a través del conocimiento) para el pensar sostenido por una psiquis que sustenta esa escisión (el sujeto convertido en cosa).

Surge como uno de los hitos de la era moderna el humanismo que tiene que ver con esa interpretación filosófica del hombre que explica y valora lo ente, la cosa en su totalidad. Nada queda fuera de su dominio de investigación. El cumplimiento de su esencia, de la investigación -relacionada con al escisión del sujeto y del mundo a través de una normativa, un método- produce un vértigo en eso que es una producción de nuevos mundos: un mundo dinámico, que cambia de formas. En todo esto está lo gigantesco de la planificación, porque en lo científico se produce de forma extraordinaria, siendo el cálculo la base de esa planificación. Lo que se produce se produce para la seguridad del hombre, para su sobrevivencia en el mundo.

De lo ente aparece la imagen y la imagen es representación de lo ente para ese sujeto y en relación a la verdad aparece la investigación (el proyecto, la rigurosidad, el método, la empresa y en relación a esa verdad el sujeto termina siendo una cosa entre las cosas.

Para cerrar con lo que corresponde al texto de Heidegger se mostraron algunas imágenes de la máquinas de representar (el calco, la perspectiva, etc. medios que producen verdad, que significan una posición metodológica). ¿Si el mundo es el mundo de imagen que implica en relación a nosotros, a nuestros quehaceres?, cómo aparece ese discurso moderno es este mundo -que habitamos- disponible para ser investigado?

b-Tomando una propuesta de Warhol nos introducimos al texto de Benjamin: lo que nos interesa de su planteo, en ese sentido de Heidegger, es cuando aparece la posibilidad de reproducir la imagen y los mecanismos de copia. Esos aparatos que permiten la reproducción de la imagen producen algunos efectos en el mundo. Así ese mundo de la imagen en Heidegger ahora en Benjamin es un mundo de la imagen a la n. Nos interesa saber que significa esto a nivel de la producción de los diseñadores, de los arquitectos. Puntos interesantes en Benjamin: 1- cuando el estudia la copia-la reproductibilidad del objeto- se asienta en que hay un aquí y ahora de la obra de arte y de la obra de arte el puede dar cuenta que hay una autenticidad que hace que eso sea algo diferente a cualquier objeto cotidiano. Y tiene que ver con una relación espacial entre lo que el sujeto siente en relación a eso que se enfrenta. Ese enfrentamiento del sujeto con la cosa es diferente. La obra no es una cosa, es algo trascendente. Y en esa trascendencia aparece lo auténtico. El dice que la copia se produce de tal manera que la obra pierde su historia. Cuando nos alejamos de ese del lugar donde se arraigo la obra nosotros perdemos el sentido de esa obra, pierde su autenticidad y mucho más si aún si la replicamos, la repetimos y la llevamos a otros lugares. 2- como se produce ante el espectador una sensación temporal diferente en relación a lo reproducido. Es interesante ver cómo esta forma de reproducción de la imagen condiciona la percepción humana. La forma de ver los colores hoy es muy diferente a como se veían en los principios del siglo XX. Eso habla de cambios estructurales pero también de cambios espirituales. Estos artefactos producen otras formas de mirar. La catedral ya la tienes en lo doméstico a través de la televisión, a través de la imagen. La autenticidad de una cosa hace posible la transmisión y su reproducción hace tambalear el testimonio histórico que lleva. Estaría diciendo que la reproducción de la imagen nos lleva a una amnesia, a olvidarnos cual fue la proveniencia de esa imagen; al estar la obra desarraigada en este mundo. Para Benjamin la reproducción de la obra hace que perdamos esa esencia, eso aurático que tiene la obra . El llama aura de la obra a algo que se da en esa cercanía, que está relacionada al tiempo que transcurre. Hay algo que nos impacta en esa cercanía. ¿Y que pasa cuando en el mundo del arte hacen una re-acentuación de esas imágenes? Hace que se produzcan disloques. Un ejemplo es cuando Duchamp produce una monalisa con bigotes. Que pasa además con los mass media, con lo deseante, lo capitalísitico, los imaginarios, lo simbólico? Que juega ahí? Que choques se está produciendo? Que pasa cuando la obra sale del mundo del museo y aparece en el soporte urbano (con sus otras acentuaciones)?. En esa operativas (el stencil por ejemplo) aparecen encadenamientos históricos que nos remite a otros repertorios culturales.

Entonces estando en esto de las encrucijadas de la estetización de lo cotidiano, estuvimos visualizando territorios que aparecen en relación a la imagen (surgida en la época moderna) y como al repetirse produce un mundo multiplicado de imágenes.

Links de los textos usados para la clase:

-"La época de la imagen del mundo" de Martin Heidegger:
http://www.heideggeriana.com.ar/textos/epoca_de_la_imagen.htm

- La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica" De Walter Benjamin: http://www.jacquesderrida.com.ar/restos/benjamin_arte.htm

Link del trailer de la película "La mirada invisible" del director Diego Lerman: http://www.youtube.com/watch?v=q3zMDrwHFAY

"Hacia una hermenéutica: cultura, imagen y sentido"

En la primera parte de la clase, siguiendo con la propuesta asignada en la clase 6 (donde tuvieron que leer y producir algunas cuestiones en torno a un texto de María Pujol), se les propuso que en base a lo que produjeron (en grupo) en esa instancia desarrollen una línea de trabajo contemplando estos tres puntos: 1- fundamentar la elección; 2- esclarecerla y formularla y 3- Enunciar tres palabras claves. Una vez realizado esto se intercambiaron los resultados entre los grupos, y cada grupo le hizo una devolución al otro a partir de preguntas, poniendo énfasis en lo que no quedo claro del planteo, ayudando a la transparencia de la formulación de la línea de trabajo.

En la segunda parte de la clase, habiendo finalizado la tematización 1 (que tenía que ver con lecturas de Foucault, de Esther Díaz, de Bajtín, etc.), se hace un puente hacia las tematizaciones restantes. La idea es tener algunas herramientas para abordar la imagen desde una dimensión estética y algunos recursos para continuar con lo que sigue en el curso. La hermenéutica tiene que ver con que el mundo está dado como metáfora y nosotros somos interpretes de esas metáforas que hacen al mundo. Se van a trabajar tres territorios: cultura, imagen y sentido.

Se muestra un primer escenario a partir de una imagen de publicitaria de Dolce & Gavanna preguntando que sentidos pueden estar produciéndose ahí. Aparece temáticas como el poder, la mafia, el sometimiento, el miedo, cierta grupalidad, miradas que no se tocan. Otra publicidad de Dolce & Gabanna nos arroja otras miradas : la lujuria, las posiciones de los cuerpos que pueden estar hablando de lo erótico, lo siniestro, las miradas que se fugan.

Para pensar esto de la imagen tomamos el planteo de Zunzunegui (que nos lleva al territorio de lo semiótico) y lo corremos hacia la cuestión de lo estético. El entiende la percepción como significación. Uno percibe en relación a un ambiente, a un entorno. Se interpreta en relación a una posición. La imagen es semiosis (percepción que se difiere). La imagen no puede decir una cola cosa sino que se difiere sentido de lo que está diciendo. Siempre hay un grado de ambiguedad que hace que uno no pueda asir con la imagen del objeto, porque la imagen es representación. No es el objeto. La representación artística se relaciona ilusoria y convencionalmente con la realidad externa (régimen escópico). Producimos un algo artístico que tiene un correlato en el mundo de la vida. A su vez está relacionado con un régimen escópico, con una forma de mirar y de ver, con una episteme. Podemos sacar todos estos significados de esas imágenes porque es parte de nuestro mundo. Sin embargo esa simiosis que produce la imagen está constreñida. Hay algunos sentidos que aparecen y conviven, pero no son los únicos ni todos los que pueden haber. Lo que dice Zunzunegui es si se da la expansión de lo visual por parte de los medios masivos de comunicación es porque la imagen tiene de por sí carácter de inmediatez, en eso de que parece reflejo de la verdad, y porque está la cuestión de la duplicación. La imagen se va reproduciendo y el mundo es el mundo de imágenes. No podemos concebir al mundo sino es a través de imágenes.

Hay ciertas características que están jugando: el grado de figuración de una imagen que está relacionado a lo que representa la imagen, el grado de iconicidad que tiene que ver con esa identidad que nosotros podemos percibir, el grado de complejidad que esta relacionado a quién es el publico que está advirtiendo esos rasgos. Otra característica es la que está relacionada a como se nos aparece al tamaño en relación al campo visual, la trama y el grano en relación al soporte, las cualidades técnicas, el color y algo que nos interesa que es la dimensión estética que está relacionada a esta dispersión del sentido. Eso de poder decir que una imagen tiene que ver con lo siniestro, con lo sexual o con lo erótico habla de esa dispersión del sentido. Si pensamos que estamos en una civilización de la imagen, la imagen para algunos es palabra. No podemos pensar una imagen sin traducirla a palabras. En esta situación del mundo que lo podemos decir todo, la imagen produce el lugar común y la ceguera. Podemos quedar capturados por algunas imágenes o quedar en el lugar de la ceguera. Toda captura nos deja ver ciertas cosas y otras no.

A partir de mostrar algunas imágenes empezamos a preguntarnos que es lo que se ve ahí. Zunzunegui nos dice que hay una relación entre la cultura y la imagen de tal modo que todo acto perceptivo es interpretación que involucra al sujeto en ese proceso de interpretación. No es cualquier sujeto, sino que es una animal histórico y cultural y que en eso se cuela la memoria, los proyectos, los deseos del sujeto. También aparece el tema del color con sus connotaciones y la perspectiva como modo de ordenar la mirada, la mirada en esa interpretación, en ese sentido.

Qué es lo que hace a la imagen el sentido? Qué es lo que hay en la imagen que nosotros podamos decir esto es tal o cual cosa?

Bataille habla de lo erótico: Lo erótico es la evitación del encuentro con la palabra desnuda. No ponemos la palabra, no la decimos, no la nombramos. La evitamos, y cuando lo hacemos le estamos haciendo un sentido a esa palabra que evitamos. Lo que sostiene al erotismo es lo omitido, lo vedado, lo que está reprimido. Entonces se producen ciertos juegos con la imagen que refuerzan eso. Como podemos omitir a través de la imagen esa palabra cruda? Si se trata de palabra cruda el erotismo no tiene que ver con la sexualidad, el erotismo tendría que ver con el vedar el sentido. En los afiches de Dolce & Gavanna esas miradas que se fugan hacia otros lugares son las formas de reprimir, de vedar. Las miradas no nos llevaban al hecho. Ahí se producía un juego de lo erótico de una forma extraña. Aparecen las tensiones, los obstáculos, la producción de misterios (el monstruo), el evitar el encuentro con la palabra desnuda, la coacción por persuasión. Todas esa cosas serían elementos dentro el juego de imagen que me están dando esa posibilidad de asir ese invisible que es lo erótico. Cuando hablamos de imagen estamos hablando de algo que está visible y de algo que está ausente. Esa ausencia es lo que conecta con nosotros y hace sentido.

Se armó un repertorio deimágenes para poder ver esas cuestiones de lo erótico. Qué juegos se están produciendo? Cómo producimos sentidos? Y esos sentidos que mundo nos abren a nivel fantasmático, con el plano de la fantasía? Nos puede llevar a situaciones de ambigüedad. Y esa ambigüedad que de lo deseante está haciendo circular por esa imagen?. Y ahí nos enganchamos desde nuestras historias (encadenamientos históricos). Como nos cuelgan ciertos gestos, ciertas posturas que le atribuimos algo del goce, del placer o de lo erótico? Cómo me acoplo a esa imagen? Desde donde uno se engancha con la mirada? Que es lo que aparece ahí como atractivo? Se están jugando varios sentidos.